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En 1911 Kandinski y Franz Marc fundan Der blaue Reiter (El jinete azul), el nombre proviene según testimonio de Kandinski en 1930 de una conversación entre el y Marc. A ambos les gusta el color azul, por su simbolismo, el grupo esta formado por rusos (Kandinski y Jawlenski), alemanes ( Marc y Macke) y austriaco ( Kubin). Por principios sus promotores pretenden llevar a cabo una revolución estética de alcance internacional, para la cual mantienen contactos y realizan intercambios con grupos rusos y franceses. Como grupo colectivo tienen claros los objetivos, pero dejan en libertad total de estilo a sus componentes, lo que explica las diferencias existentes en sus obras.
En 1911, exponen en la galería Tannhauser de Munich, en la que también exponen Delanuay y Rousseau, la presentación se ve reforzada por la publicación en 1912 de Der Blaue Almanach y el libro de Kandinski De lo espiritual en el arte. La segunda exposición se celebra en 1912 y en ella participan miembros de Die Bruecke, cubistas y artistas rusos. El grupo propugna la autonomía del hacer artístico y el poder llegar a unas bases comunes para todas las artes. Para ellos el lenguaje artístico debe buscar la esencia, Marc hace referencia a la realidad interior que une a los artistas en lo espiritual por encima de los problemas de unidad de forma, cada obra debe estudiarse como un mundo propio, diferente del mundo natural, pero situado en el mismo nivel. Combaten el clasicismo en la forma y reivindican el arte en estado puro, a la vez que suprimen la separación existente entre arte académico y arte popular, esto ultimo debido sin duda a grupos progresistas rusos que en aquel momento reivindicaban el arte popular incorporando elementos tradicionales no solo en sus pinturas, sino también en las escenografitas realizadas para los ballets rusos de Diaghilev. El final del grupo es coordinar y apoyar internacionalmente toda clase de tendencias que sigan la línea de la espiritualidad, de la libertad y de la autonomía de la forma y el color. Su modelo es la música, que, en su opinión, es el arte más abstracto y el que menos referencia toma del exterior, Kandinski dedica a este tema gran parte de su libro. Der Blaue Almanach, que aparece como ya dijimos anteriormente en el año 1912 a partir de la propuesta de Kandinski de 1910 para editar la revista Blaue Blaiter ( hojas azules), promoviendo la idea de una batalla artística organizada sobre la base de una renovación cultural, Kandinski y Marc se encargan de la elaboración del almanaque, que muestra claramente las aspiraciones internacionales del grupo en los artículos e ilustraciones que incluye ( arte moderno, tradición, dibujo infantil ) realizados por ellos mismos y por Macke. En el aparece una cita de Goethe de 1807 en el que afirma que a la pintura le falta lo que da base a la musica: una teoria fundamental, establecida y aceptada por la mayoria. La música esta presente en la publicación a trabes de los artículos de Shomberg y de Scriabin, ilustran sus paginas muestras de arte popular, ruso y Bavaro, estampas chinas y japonesas, xilografías góticas, escultura precolombinas y africanas reproducidas junto a obras de Gauguin, Van Gogh, Cezanne, Picasso, Matisse, Kokoscha y Kirchner. El grupo comienza a independizarse hasta su disolución en 1913.
Influencias del expresionismo
Influencias de los de los post-impresionistas Vincent Van Gogh y Paul Gauguin, cargada de sentimientos y concepciones en su utilización expresiva del color y la gestualidad del trazo.
Influencias del simbolismo. No se desarrolla mediante un estilo unitario, pero puede definirse como una búsqueda en la cual el artista, limitando una pintura objetiva, concreta los sentimientos, los estados del alma, los miedos subjetivos, las fantasías y los sueños.
Las obras de James Ensor y Edvard Munch muestran, con un idioma simbólico expresivo pasado por encima de la materialidad, relaciones místicas, religiosas o psicológicas. Ensor, mediante la utilización de colores incandescentes, pinta desfiles fantasmales de enmascarados y de personajes caricaturescos; recreando la oposición hostil del individuo y la masa. La máscara, el leitmotiv de toda la obra de Ensor se convierte en la expresión de lo amenazador y desconocido.
El expresionismo en la obra del noruego Munch, se evidencia en sus representaciones del miedo, la desesperación, la sexualidad atormentada, los celos y la morbosidad. Todos estos son temas que Munch representó para "liberarse a sí mismo de los demonios". Aunque el grito sea la expresión pictórica de un sentimiento de miedo personal mientras paseaba con un amigo, Munch logra expresar en este cuadro el desfallecimiento del hombre ante una realidad cada vez más compleja y confusa.
Influencias en el arte de otras culturas. Las esculturas y máscaras de África y Oceanía, de clara descendencia primitivista, representaron para los artistas europeos una valiosa fuente de inspiración.
El movimiento cubista se origina en Paris en tre 1906 y 1908. Fue creado Por Pablo Picasso y Georges Braque. Este movimiento representa la primera alternativa radical de autonomía del lenguaje artístico frente a la representación, que queda relegada a un segundo plano.
En sentido estricto se desarrollo entre 1908 y 1914, aunque tiene prolongaciones que llegan a los primeros años de la década del 20, como la obra, tres músicos pintada en 1921. Preparan la aparición del cubismo y determinan sus características la pintura de Paúl Cézanne, el descubrimiento de la escultura negra, y las artes primitivas. Cézanne es un pintor se suma importancia para el desarrollo de las vanguardias históricas del siglo XX. Para Cézanne el lienzo no es solo una superficie soporte donde se proyecta una obra, sino el lugar donde se organiza su forma plástica, la realidad. Los objetos que representan están descompuestosy retejidos en la trama del espacio, dando la impresión de cuerpos geométricos. En cuanto a la escultura negra, el círculo de Matisse empieza a coleccionarla a instancia de Vlamink, que fue el primero en hacerlo. Picasso en una entrevista en 1920, niega haberla conocido en aquella época, pero consta por documentación fotográfica la existencia en su estudio de alguna de estas esculturas, y Fernande Olivier, en su libro Picasso y sus amigos, hace referencia a un regalo de una de estas piezas por parte de Matisse, que impresiona y causa temor a Picasso. En el origen del cubismo esta la amistad entre Braque y Picasso, a quienes presento Apollinaire en 1907, para mostrar a Braque el cuadro Les Demoiselles d´ Avigñon, obra que sorprende extraordinariamente a Braque y que da origen no solo a su amistad sino también a su trabajo en común. Ambos artistas tienen ya un peso especifico en el Paris del principio de siglo: Braque por su afiliación al movimiento Fauvista, y Picasso por ser el pintor mimado de Vollard. A estos artistas se unen, los escritores Max Jacob, y André Salmon, y la americana, gran coleccionista de arte Frances Gertrude Stein. Todos ellos viven en Montmarte y forman un grupo bastante exclusivista al que se incorporan también Juan Gris, Leger, Delanuay, Archipenko, los hermanos Duchamp, todos ellos aglutinado por el poeta Apollinaire.
El cubismo entro en escena como un cataclismo de la mano de las Les Demoiselles d´ Avigñon, que Picasso empieza a pintar en 1906 y abandona en su actual estado en el transcurso de 1907. Es una pintura que hoy resulta inquietante y atrevida, hace sesenta años debió parecer poco menos que increíble, en el cuadro se detectan influencias del arte africano, del románico, del renacimiento y de Cézanne. En un principio la mayoría de los críticos conceden la paternidad del cubismo a Picasso, pero su nombre se asocia a Braque al finalizar la primera guerra mundial.
El termino cubismo se debe a Matisse, quien, al hablar de las pinturas de Braque en el salón de otoño de 1907, hace referencia a pequeños cubos. El cubismo propone la ruptura con la tradición pictórica occidental e intenta reproducir la realidad según la propia idea de ella, de una forma total, sin tener una visón que de la misma se puede tener, la ofrece como observada desde todos sus ángulos, en una única composición que engloba a la vez sus diferentes aspectos, según los distintos puntos de vista. En su etapa inicial los nombres mas importantes son Braque yPicasso, el primero se forma en el impresionismo y en el fauvismo; somete el color a la severidad de la forma, el segundo, que pasa por varias etapas, impresionismo, postimpresionismo, primitivismo, etc., introduce el color en la forma, ya que por encima de todo es un excelente dibujante.
Cada uno de ellos se propone contemplar en la tela, que tiene dos dos dimensiones, la figuración total. Para ello, apartan todo lo que es fortuito y quieren, por medio de la geometría, plasmar las propiedades permanentes de los objetos y su estabilidad en un espacio cerrado, sin perspectiva ni luz. Ambos consideran inseparable el estudio de la forma y la creación del espacio, y se plantean por primera vez la autonomía absoluta del lenguaje artístico.
FASES DEL CUBISMO
En el desarrollo del cubismo podemos distinguir tres fases perfectamente diferenciales y consecutivas:
Los inicios de 1907 a 1909
El cubismo analítico de 1909 a 1912
El cubismo sintético de 1912 a 1914 con la importante aportación de Juan Gris
INICIOS DEL CUBISMO
En el año 1907 a 1909, se establecen las base para las fases posteriores del cubismo. Son protagonistas indiscutibles de éste período, Pablo Picasso y George Braque. El cuadro Les demoselles d´ Avignon, representa una ruptura con relación al arte anterior, en la cual Picasso va mas lejos que sus contemporaneos y maestros, en el nuevo tratamiento del espacio y en la forma de presentar la realidad. Para esta obra elije un tema clásico del siglo XIX, el prostibulo, ya tratado por Ingres, Delacroix, Toulouse Lutrec y otros. pero trabajando basándose en dos elementos, el primitivísmo y la geometría poscézanniana. Las figuras son arcaicas y primitivas y los rostros semejantes a máscaras.
A esta obra siguen una serie de realizaciones en las que dómina el aspecto primitivo, escultorico y geométrico de las figuras, que están estructuradas por planos.
En 1909, Picasso realiza un viaje a Horta de Ebro, donde lleva a cabo una serie de obras en las que desaparece el elemnto primitivo para dar paso a la estructuración a base de elementos geométricos, que le lleva al cubismo analítico. Paralelamente Braque experimenta, y en 1908, finaliza "Desnudo", obra en la que es clara la influencia de Cézanne y de Matisse, con la que parece querer dar una multivisión de la figura, dada su torsión. Durante el verano de 1908 se trslada al L´ Estaque, donde continuara sus investigaciones y obras cubistas, alli pinta una serie de paisajes y naturalezas muertas en las que la geometría se une al color, de sustrato fauvista. El conjunto esta definido por la suma de los volúmenes creados por los planos inclinados y las formas geométricas. La línea pasa a ser el generador de la composición y no el medio para crear la perspectiva que desaparece de las obras. Estos cuadros se presentan en el salón de otoño del mismo año, pero, al ser rechazadas por el jurado, se exponene en el mes de noviembre en la galería Kahnweiler, y mas tarde en 1909, en el salón de los independientes. En ese año Braque casi llega a la abstracción con las obras " Puerto de Normandia " y " Barcas de pesca", resueltas a partir de un análisis de tipo formal y en las que el color esta perdiendo protagonismo en favor de la forma y de la idea de simultaneidad visual; son obras de estudio, en las que se consideraba mas importante la relación entre las cosas, que las cosas mismas.
Ambos descubren que están trabajando en un objetivo común. Ambos comienzan entonces a investigar sobre la forma goemétrica en direcciones distintas de la de sus inicios. Picasso busca realizar las figuras casi escultoricas con la utilización de la perspectiva, mientras que Braque diluye la misma, la hace cada vez mas ambigua. Este esfuerzo de trabajo conjunto los conduce al cubismo analitico.
CUBISMO ANALÍTICO
Se desarrolla entre los años 1909 y 1912. Se caracteriza por una ceciente descomposición de la forma y la división estructurada de la misma. Se representa en la tela varios aspectos del objetos, que parece quebrado, desplegado por una serie de cubos que se unen entre si, pretendiendo dar una visión completa que se ajuste a la idea que de él se tiene, y ademas conseguir la cuarta dimensión en pintura, el movimiento. El objeto aún es identificable. Caracteristicas de sus obras en esta fase son la no distinción entre imagen y fondo y la abolición de la sucesión de planos en una profundidad ilusoria. Todo ellos es un ataque frontal a la perspectiva renacentista. Pese a la descomposición de planos se débe hablar de pintura realista, en la que la memoría del artista desempeña un importante papél. Siendo la especialidad del cuadro real, aunque no natural, el procedimiento cubista excluye todo efecto ilusorio, y es realista no en el sentido de imitar la realidad, sino en el de dar lugar a un objeto completo en si. Picaso y Braque trabájan sobre imagenes mentáles que no requieren una visión directa y sensible; el mecanísmo del cuadro débe insertarse y funcionar en él contexto de la experiencia habitúal. Los objetos tomados como modelos tienen una forma claramente reconocible. Los témas de carácter literarío desaparécen para dar lugar a naturalezas muertas, paisajes, figuras únicas ( músicos, toreros, mujeres ) etc.
En 1911 Braque introduce letras y números en el cuadro " Él portugués", elementos nuevos que tienen el valor de asociar las ideas y que desempeñan un papél estabilizador. La tela pasa a ser un objetos que se aníma en virtud de las relaciones que se establécen entre ella y objetos determinados. Junto a esta obra se débe considerar " El acordeonista de Picasso. En estas realizaciones los pintores llégan a una identidad absoluta. A ellos se débe tambíen la reutilización del formato ovál, que luego tóman algunos dadaistas. Si bíen con éste procedimiento obtienen una simplificación de las formas, por otra parte se vén forzádos a describir la multiplicidad de información sobre el sujeto tratado.
En el años 1911, Picasso y Brauq comprénden que no puéden avanzar más con el cubismo analítico. El espacio del cuadro, como tál espacio, se halla en el punto de acogér, elemnetos relevantes de la realidad. Lo realizado hasta esa fecha encierra el peligro de un cierto hermetismo, para evitarlo empíezan a introducír, no solo color, sino tambíen elementos que imítan materiales, como el mármol, la madera, etc. El nacimiento del collage es inminente. En 1912 Picasso, añade a un cuadro que ya tiene pintado, un trozo de hule sobreimpreso con un diseño de rejilla de silla, el resultado es "Naturaleza múerta con con silla de rejilla". Introduce un eleménto real que tiene sobre él otra realidad pintada. Braque por su parte contempla en un escaparate un rollo de papel para empapelar, que imita un tablero de roble. Con tiras de ese papél, compone el fondo píctorico de un cuadro y pinta sobre él. Siguiendo éste procedimiento, confecciona patrones de instrumentos músicales con papél y cartón, que despúes pínta. La utilización de papeles pegádos se revéla como un paso más en la evolución del cubismo. Poco despúes Braque empieza a utilizár materiales atípicos en el arte, como arena, aserrín, limaduras de métal, etc. Picasso por su parte experimenta una técnica de relive en la que emplea pintura junto con arena para crear en torno a los objetos representados un área de empaste que confiere cualidades tridimensionales al lienzo. Todo ello enriquece la tela en el color, pero tambíen en la textura, ya que paulativamente encolar en ella papeles de periodicos, cartas, etiquetas de bebidas, fragmentos de partituras, etc, para acabar añadiendo al conjunto, letras y números. Debe ponerse de manifiesto la utilización de la técnica del puntillismo, que contrarresta la monotomía de los planos de un solo color.
CUBISMO SINTÉTICO
El artista considerado como el creador del cubismo sintetico es Juan Gris, afincado en Paris desde 1906. Su adopción del cubismo no es mimetica en relación con lo que hacen Picasso y Braque, mas intuitivos. Juan Gris dada su formación, se había educado en los métodos de la ciencia y la ingeniería, parte del análisis matemático a fin de hallar nuevas leyes estructurales que den resultados racionales. En su obra se han de tener en cuenta su mentalidad cientifica y su sensibilidad. Su punto de partida es la obra de Cézanne. Una diferencia clara en su proceder es que núnca abandona el color, la luz, ni los efectos del claroscuro. Crea un estilo personal, que sigue leyes estructurales basadas en la geometría, cuadrados, triangulos y cilindros, con el que compone una imágen total de lo representado, a partir de aspectos parciales, que permiten una síntesis visual intelectual del conjunto. En 1913, y sin duda influido por los papiers collés, inicia una nueva forma de representar por medio de la investigación de planos distintos, lo que significa llevar hasta el último extremo las enseñanzas de Cézanne, con un método deductivo. El mismo Gris define asi el proceso de su trabajo " Comienzo por organizar mi pintura; despues doy la calidad a los objetos. Mi meta es crear nuevos objetos que no puedan ser comparados con ningun objeto de la realidad. Con respecto al cubismo analítico, el cubismo sintético de Gris, se diferencia en que sus objetos estan libres de toda deformación, ya que contrapone a una descomposición de tipo formal, puramente descriptiva , un proceso intelectual teórico de sintésis. Para ello usa la perspectiva, uniendo en la tela una serie de puntos de vista diferentes. " Trabajo con los elementos del intelecto, intento tranformar en concreto, lo que es abstracto. Mi camino es partií de lo general para llegar a un hecho real. Mi arte es de síntesis y de deducción.
Si el procedimiento analítico parte del objeto para llegár a una libre construcción abstracta de imágenes que da como resultado una forma, el sintético, parte de la forma para encontrar las imagenes. Estas formas sean puras, no deducidas analiticamente, sino tomadas como tales, como elementos abstractos que se únen para crear una realidad nueva, una realidad total.
En 1912, aparece el collage en su obra ( espejos, etiquetas) aunque nunca emplea papeles dibujados, y si introduce en cambio fragmentos de grabados de naipes. En 1914, empieza a utilizar los papeles collés, pero de una forma distinta a Picasso y Braque, diseña la composicion a partir de las formas y colores dejando que estos sugieran el conjunto.
Aquí les dejo una poesía hecha canción dedicada a Picasso, espero que les guste.
Todo arte es expresivo, de su autor y de la situación en la que trabaja, pero determinado tipo de arte pretende conmovernos mediante gestos plásticos que transmiten y quizás dan escape a emociones y mensajes con una carga emocional. Ese arte es expresionista. Una gran cantidad del arte del siglo XX, especialmente en Centroeuropa, ha sido de este género, y se le ha asignado la etiqueta de expresionismo, pero nunca existio un movimiento llamado "expresionismo"
Norbert Lynton
A pesar de que el fauvismo y el expresionismo son paralelos, es decir transcurrieron en la misma época, podemos hacer comenzar las vanguardias concretamente con el expresionismo. Este movimiento debe enmarcarse desde 1905 hasta 1915. Esta corriente rompe formalmente con el estilo del naturalismo anterior y viene a reanudar otras corrientes más genuinas, en lo remoto. La línea y la escultura gótica, los grabados, las esculturas románicas, todos iconos que en los comienzos estimularon propósitos anti-naturalistas. El expresionismo igual que el fauvismo surgio como una reacción contra el impresionusmo.
El expresionismo tiene además, muchos rasgos barrocos exacerbados, como la tensión espiritual que ahora se hace desesperación, la crudeza que se transforma en crueldad, la burla de lo bello canónico que llega a ser apología de la fealdad. Lo irracional que se convierte en demonismo. Una vuelta a lo feo, y un carácter humorístico–irónico. A esta época le faltaba una autoconciencia de su decadencia, autoconciencia que va a prestar por primera vez de manera artística, la vanguardia. Quizá por eso mismo es que fue tan dificultosa su inserción en la vida cotidiana y su posterior aceptación de parte de la crítica. No es casual entonces que este estilo se acerque algo al Sturm und Drang pre-romántico “ cierta fatal debilidad por el poder de las tinieblas, un gusto por la catástrofe, que vuelve sobre un núcleo del espíritu romántico”, su secreta aspiración hacia el caos. Este espíritu nuevo es solo comparable, desde el punto de vista estrictamente formal, al fauvismo, aunque no respecto de su fuerte contenido critico. Pero tiene como una de sus verdaderas fuentes inmediatas el primitivismo africano y polinesico.
El primer movimiento hacia el expresionismo en Alemania esta ligado a un grupo de artistas que se dieron el nombre de “El Puente” (Die Brucke).Se trata de un movimiento que, ante todo, quiere y propone separarse del pasado y de las convenciones, excavar la superficie de una civilización aparentemente tranquila y bien pensante para revelar en toda su crudeza y evidencia las pasiones, angustias y delirios que luchan en la profundidad del alma.
El Puente tuvo como objetivo el regreso a una pureza original de la humanidad al estilo de las asociaciones medievales. Mediante el desarrollo de una red de miembros suscriptores, intentaron conquistar una independencia financiera que les permitiera trabajar, ser editores de sus obras, litografías, xilografías, folletos ilustrados y responsables directos de sus exposiciones. Su apología de lo bárbaro en pintura correspondía a su deseo de alcanzar el elemento natural del hombre, su verdad interior y su capacidad de emoción. Reinvidica a Van Gogh, Gauguin, Nietsche, y Bergson, para ellos, el artista no refleja la época en la que vive sino que la promueve. El grupo se reunia semanalmente en el taller de Kirchner donde se dibujaba y discutía sobre temas estéticos, sociales, se estableció el objetivo común de que las obras que se exhibieran, debían estar aprobadas por todo el grupo se tenía que exponer en grupo, Pechtstein no respeto el acuerdo y fue expulsado por exponer en solitario.
Posteriormente el movimiento se dividió dando lugar al grupo “El Caballero Azul” propiamente abstracto.
Integrantes del grupo: Ernst Ludwind Kirchnet, Eric Heckel, Fritz Bleyl,Karl Schmid-Rottluff, Max Hermann Pechtstein, Emile Nolde, Otto Muller
ANTECEDENTES SOCIOPOLÍTICOS
(1895 – 1900) Alemania pasa de estado agrario a estado industrial, con una forma de capitalismo autoritario y corporativo que hereda tradiciones feudales y patriarcales. Se convierte en un país relativamente moderno, con una producción concebida científicamente y una población en aumento vertiginoso. Crecen las ciudades, se transforman las costumbres y las masas urbanas caen en manos de una fabricación en serie y mecanizada, de una nacionalización y nivelacion excesiva. El individuo se ve afectado por el malestar que emana de todas las actividades económicas desde donde se resquebrajan los cimientos morales de la colectividad. Mientras tanto, el clima socio político y las amenazas de guerra auguran catástrofes. Los futuros expresionistas sufren las consecuencias directas de esta industrialización acelerada, de esta rápida transformación de las ciudades y de esta atmosfera generalizada.Crecen en un país cuya producción industrial alcanza un nivel elevado, mientras que la sociedad global aun sigue impregnada de una mentalidad antigua. El resultado de todo esto es tensión y desequilibrio. Los expresionistas, casi todos de origen urbano, reaccionan ante los inconvenientes de la superpoblacion y se muestran sensibles al avance del proletariado. Hijos de la burguesía, se sienten amargados por la conducta de sus padres. Estas circunstancias contribuyeron a la conformación y aceleración del expresionismo.
RESUMEN DE LAS CARACTERISTICAS FORMALES DEL EXPRESIONISMO
Gusto por lo feo, tosco, caótico, demoniaco, apocalíptico, decadente, catastrófico, macabra, humorístico, irónico.
Hostilidad hacia la familia, la educación formal, el ejército, las instituciones en general.
Tendencia primitivista, inspiración gótica – románica – barroca – africana, donde aparece en primer plano el mundo interior del artista.
Gran intelectualismo contra el sensualismo donde lo real es captado en su significación, el concepto, abstrayendo y proyectando sobre el la subjetividad y los estados de animo del observador y de la época, revelo la angustia existencial del individuo, que en la sociedad moderna e industrializada se ve aislado, alienado.
Los temas recurrentes son ahora las pasiones, angustias, delirios escondidos detrás del orden aparente y superficial de la sociedad.
Gran carga sicológica y critico guión social, el conflicto padre-hijo, la guerra y sus dramas, los pobres, las prostitutas, los jóvenes.
A todo esto se suma un fuerte antinaturalismo anárquico.
Tres bañistas (1913), de
Ernst Ludwind Kirchner
Cartel de presentación para una exposición de Die Brücke en la Galería Arnold de Dresde (1910), de Ernst Ludwind Kirchner
Fränzi ante una silla tallada (1910), de Ernst Ludwind Kirchner
El concepto "vanguardia" fue concebido a principios de la primera guerra mundial, su reminiscencia bélica hace referencia a una situación pionera y de avanzada. Algunos conceptos que caracterizan a las vanguardias son: desdén de lo particular, abominación de lo heredado, ruptura con el sentimiento como fuente de inspiración, aunque incorporando la propia subjetividad que queda ahora marcada por los estdos de ánimo. Simplificación, repetición y tipificación de los contenidos, apenas sugeridos al espectador. Simplicidad cromática y renovación del espacio, ya no perpestivesco. Todo esto dentro de un nuevo contexto de trabajo como es la interioridad y el retiro del taller, ya no se pinta al aire libre. Las vanguardias nacen con el siglo XX y llega a su término en los años 30. Aqui pasa a una actitud más constructiva y decantadora, donde ya no son importantes los manifiestos, es decir, un transito de la novedad a la calidad. En su origen las vanguardias buscaban fuertes transformaciones en el arte, se asume así también la diferencia entre los productores y sus destinatarios. Distancia que se reducira solo cuando el diseño de entrada a las vanguardias en sus proyectos constructivos. Lo importante es marcar la impronta y valoración de la novedad y originariedad como el mayor criterio de belleza " prejuicio" de lo original muy de esta época, preocupación que otros siglos no conocieron. En el caso de la literatura experimental de este primer periodo, la poesía fue la base y fermento de todas sus demás expresiones. El último periodo vanguardista, en cambio, no se caracterizo tanto por el florecimiento de nuevas escuelas literarias, de nuevos estilos artisticos, sino mas bien por la consolidación y expansión de todos los elementos entonces aportados. Aparece así un espiritu asimilador.
Algunas de las primeras vanguardias artisticas y literarias
Voy a desarrollar brevemente cada una de ellas y sus caracteristicas formales.
Comenzare con los fauvistas.
LOS FAUVISTAS
En el año 1905 expone en Paris un grupo de jovenes pintores unidos por una clara afinidad en el empleo del color, que es exaltado en tonos puros de una gran violencia e intensidad, un critico llamado Louis Vauxcelles los bautizo fauves ( del frances fieras ). Por esta época el academicismo ya estaba seriamente amenazado y el impresionismo había triunfado definitivamente. Incluso pintores como Cézanne y Gauguin, entre otros, habían empezado nuevas busquedas. A esta corriente pertenecieron: Henri Matisse, Ándre Derain, George Braque, Maurice de Vlaminck, Kees Van Dongen y Albert Marquet.
El fauvismo no fue un movimiento totalmente definido, carecio de un manifiesto. Cada pintor creaba sus obras como una experiencia personal cargada de espontaneidad. Los unio una actitud violenta con la que se enfrentaron a los convencionalismos asentados de la época, rechazando las reglas y los métodos establecidos. Reaccionarón contra el imprecionismo y contra la importancia que estos le habian dado al uso de la luz a costa de la perdida del color. Los fauves creían que a través del color podían expresar sus sentimientos y este pensamiento condiciono su forma de pintar. No buscaron la representación naturalista, sino realzar el valor del color por si mismo. Por ese motivo rechazaron los colores naturalistas empleados por los impresionistas en favor de los colores violentos para dar mayor endfasis en la expresividad de sus obras.
RESUMEN DE LAS CARACTERISTICAS FORMALES
Explorarón una instancia formal, donde el color es más importante que el dibujo distribuido en amplias zonas, en tonos puros que generan espacios sin necesidad de la perspectiva. Posteriormente el espcio es estructurado geometricamente gracias a la influencia del cubismo, aunque los motivos siguen siendo realistas hay gran profusión de texturas, grafismos y arabescos. Empleaban una pincelada directa y vigorosa, con toques gruesos, sin mezclas, evitando matizar los colores. Las figuras son planas, lineales, encerradas en gruesas lines de contorno. Sus obras respondían a un ejercicio de sintetización, buscaban la máxima intensidad emocional, combinada con la máxima simplificación de elementos. Por ello renunciarón a la perpectiva, al claroscuro y al modelado de los volúmenes. La luz tiende a desaparecer y junto con ella la profundidad.
El ámbar (nombre que viene del árabe, que significa, lo que flota en el mar), es un material derivado de las resinas fósiles, producidas por la secreción de ciertas coníferas del pasado. Su nombre se generó por que éste flota en el agua salada, siendo arrastrado hacia la playa, en las zonas del Mar Báltico.
Es también conocido como, electrón debido a las propiedades eléctricas producidas por el roce, en tanto que en los diccionarios aparece con el nombre de succino (del latín succus: Jugo de árboles), este material tubo por primera vez su reconocimiento como una sustancia derivado de los árboles, con el naturalista griego Caius Plinius (23-79-D.C), quien acertadamente afirmó que el ámbar proviene de una piña. El ámbar es una "piedra" muy apreciada desde la prehistoria ya que se le atribuían propiedades curativas siendo también usado como talismán, en este contexto por ejemplo en Dinamarca se encontró una pequeña pieza de ámbar en forma de cuña, el lugar del enterramiento fue fechado en 10.000 años.
Durante largo tiempo se le ha dado diversos usos en medicina popular. Actualmente esta restringido su uso a joyas y en la industria de la perfumería como preservante.
El mayor uso que se le da al ámbar en la Joyería, donde se hacen colgantes y aros.
Posteriormente en el siglo XVII, el ámbar fue reconocido como una resina vegetal fósil, que secretaban ciertos árboles en el pasado.
El árbol exuda resina y los insectos son atraídos por su olor quedando adheridos a él (J. Aragón)
Los insectos se conservan en muy buen estado al interior del ámbar.
En su caída la resina envuelve al insecto y lo deja aprisionado, luego el material se entierra y endurece, transformándose en el mineral conocido como ámbar, que luego de pulido deja al descubierto a su víctima.
En épocas pasadas ( jurásico - Cretácico - Terciario). Existieron grandes bosques con árboles que secretaban una sustancia resinosa que caía en forma de gotas y que se acumulaban en ramas, corteza, o a los pies de los troncos, atrapando en su caída toda clase de vegetales e insectos que se adherían a esta aromática sustancia natural. Luego comenzaba un proceso natural de enterramiento, poco a poco la resina se endurecía transformándose en el mineral que hoy conocemos como ámbar.
El ámbar en su forma natural es irregular, luego estas piezas se pulen para poder apreciar los materiales contenidos en su interior.
El ámbar es un material generalmente amarillo. Sin embargo existen diversas tonalidades que van de los amarillos, anaranjados, rojos, marrones, azules, verdes hasta aquellos que no tiene color y por lo tanto son transparentes, y por ende los más valiosos. El ámbar es inodoro, muy liviano pero quebradizo, cálido al tacto y no se disuelve con el agua, se derrite sólo con el calor aproximadamente a los 300° Celsius. Es muy blando siendo de 2 a 3 su dureza dentro de la escala de Mohs.
El ámbar se da en diferentes tonalidades que van desde el transparente al rojizo pasando por los azulados, verdosos, amarillos y anaranjados, siendo los primeros los más valiosos.
La resina fósil que lo forma procede de coníferas, muchas de ellas ya extinguidas, y debido a la gran cantidad de sustancias orgánicas que quedaron atrapadas antes de fosilizar, tanto vegetales como animales, proporcionan muchos datos científicos para el estudio y el conocimiento de eras muy antiguas.
Los colores que aparecen dependen del tipo de árboles de los que procedan, de la antigüedad de su formación y del entorno en el que fosilizaron. Según estas condiciones se diferenciarán las distintas variedades, definidas por sus colores amarillos, rojizos, marrones, verdoso, blancuzcos, azulados, granates, negros y pardos. En cuanto a la clasificación se realizará dependiendo de su origen, que aparte del color, presentan otras características, pudiendo distinguir los siguientes yacimientos:
- Ámbar del Báltico: Puede ser amarillo, rojizo, pardo y blanquecino, turbio o transparente. Es el que presenta mayor proporción de ácido succínico. En su mayor parte se recogen en el mar, en el fondo o flotando, existiendo explotaciones mineras en los países ribereños: Dinamarca, Alemania, Suecia, Polonia etc. Procede de coníferas del eoceno, de 40 a 60 millones de años de antigüedad.
- Ámbar de Birmania: De colores fuertes, principalmente marrones oscuros muy fluorescente. Puede encontrarse calcita en sus fisuras, dando un aspecto moteado característico. Se originó a partir de burseráceas del eoceno.
- Ámbar Dominicano: De colores amarillo, marrón, raramente rojizo, siendo el más raro y apreciado el azulado. Son fluorescentes a la luz ultra violeta. Se originó a partir de leguminosas del mioceno de hace 10 a 25 millones de años.
- Ámbar de Sicilia: Rojo oscuro, azulado, verdoso y raramente amarillo. Es uno de los más apreciados y bellos. Se originó a partir de burseráceas del mioceno.
- Ámbar de Rumania: Con gran cantidad de sulfuros que le proporcionan los colores característicos pardos, granates, marrones y verdosos. Se formó a partir de leguminosas en el mioceno.
- Ámbar de Canadá: muy antiguo y de color marrón principalmente. Su procedencia es confusa, aunque se cree que se originó a partir de coníferas del cretáceo con una antigüedad de 60 a 130 millones de años
- Ámbar de México: Se presenta con coloraciones rojas amarillas y negras. Procede de leguminosas del mioceno. Sus propiedades Su dureza es muy baja, entre 2 y 2,5 en la escala de Mohs. Es una sustancia natural amorfa sin estructura cristalina por tratarse de una resina fósil. Es muy quebradizo presentando fractura concoidea sin exfoliación. Su densidad es inferior al agua salada, por lo que puede flotar en el mar, con un peso específico máximo de 1,1. la raya es de color blanco. Soluble en alcohol y disolventes orgánicos. Funde a partir de 250º C descomponiéndose con emisión de humos blancos y fuerte olor a resina. Es combustible a la llama y se carga de electricidad estática.
Tiene brillo resinoso, transparente, translúcido u opaco según las inclusiones que contenga y el color que presente. Por ser amorfo es isótropo con un índice de refracción muy constante y bajo. Presentan fluorescencia, según su origen como ya se ha mencionado.
INCLUSIONES
El ámbar generalmente carece de inclusiones minerales, salvo excepcionales ocasiones, como en el caso de los de Birmania con apatito. Las más características, curiosas e importantes inclusiones son las orgánicas, de origen tanto animal como vegetal, siendo frecuente encontrar plantas o restos de plantas, insectos, invertebrados e incluso algún vertebrado, perfectamente conservados, que proporcionan no solo datos curiosos sino que se han identificado así decenas de especies extintas. Los insectos aparecen de forma retorcida casi siempre completos. Suelen aparecer inclusiones bifásicas, formadas por gotas de lluvia atrapadas por la resina antes de la fosilización con alguna burbuja de aire. Las burbujas aisladas son muy frecuentes en todos los ejemplares, pudiendo ser muy numerosas y de diferentes tamaños.
DEPÓSITOS
Importantes yacimientos se encuentran en los países que se ubican en el Mar Báltico, como Rumania, Rusia, Birmania, donde llegan flotando a cada momento grandes cantidades de ámbar que es arrastrado hacia la orilla, este ámbar viene a medio pulir ya que el arrastre y el roce van puliendo las piezas. Uno de las grandes depósitos se encuentran en la península de Samland en Rusia. La edad de este ámbar es terciaria y pertenece a un Abeto (Pieza Succinifera), otros depósitos con gran abundancia de ámbar son los de República Dominicana, en este país existen estratos profundos y por lo tanto se debe excavar mucho metros. Sin embargo en otras circunstancias aparece casi superficialmente, la abundancia de este material a puesto a República Dominicana, como uno de los mayores productores de ámbar en el mundo. El ámbar se sitúa no solamente en aquel lugar mencionado, si no también se encuentran en Lituania y Puerto Rico.
El ámbar se caracteriza por una conservación extraordinaria de todo tipo fauna, como arañas, moscas, hormigas, grillos, termitas, escarabajos, inclusive reptiles, y flora como, flores, hojas, ramas, esporas, espículas de los pinos, entre otros.
La conservación de los detalles de los animales atrapados en el ámbar, es la característica más atractiva de éste, en la fotografía podemos apreciar un insecto y al lado el detalle de la cabeza y los pelos microscópicos.
Esta conservación muestra todos los detalles anatómicos, incluso se puede extraer material genético de ciertos individuos, como por ejemplo, el material extraído a una abeja de 40 millones de años, proveniente de Santo Domingo, que se ha convertido en el argumento de la película Parque Jurásico. También se ha recuperado material hereditario de una termita de 25 millones de años.
El ámbar también ha atrapado algunos vertebrados como el batracio sometido a rayos X, encontrado en un ámbar de República Dominicana y el reptil de la derecha.
OXIGENO FÓSIL
La resina al envolver a los insectos u otros materiales, también deja atrapadas burbujas de aire, las que pueden ser rotas al interior de una cámara de vacío (con ausencia de oxigeno), para determinar el nivel de oxigeno en las atmósferas pasadas y los componentes de la misma. Este proceso nos ayuda a reconstruir los paleo ambientes pasados con una mayor certeza.
El ámbar no sólo preserva flora y fauna, sino que también atrapa burbujas de aire que nos entrega información sobre la cantidad de oxígeno en la atmósfera del pasado.
Investigaciones en este campo lo realizan el químico Robert Barner de la Universidad de Yale, y Gary Landis del servicio Norteamericano de Geología, quienes en un trabajo, rompieron un trozo de ámbar de una edad de 90 millones de años, encontrados diferencias en los niveles de oxígeno en el pasado con respecto al presente.
Además del oxigeno encerrado en el ámbar podemos encontrar algo que es mucho más raro y menos factible de conservar, estos son los líquidos fósiles, ya sea agua, sangre, u otros compuestos. En nuestra colección existe un ámbar de estas características y es el que te mostramos a continuación.
Trozo de ámbar de 11 cm de largo y 5,5 cm de altura, que muestra huellas de la corteza en que quedo adherido y al lado en la zona demarcada se puede observar la sección que almacena un liquido desconocido aún.
LOS TRATAMIENTOS Y LAS RECONSTITUCIONES
Son prácticas muy habituales los tratamientos térmicos, las impregnaciones y las tinciones. Incluso se utilizan técnicas láser para inducción de lentejuelas. Se utilizan tratamientos térmicos en condiciones oxidantes para oscurecer los colores haciéndolos parecer mas viejos. Se realizan impregnaciones con aceites calientes a presión, recubriendo las burbujas de ámbar nubloso haciéndolos parecer más transparentes. Las tinciones se realizan con colorantes desde muy antiguo, introduciéndolos con disolventes o calentamientos.
Existe un proceso llamado de reconstitución, que consiste en la fundición de restos de material en una autoclave a presión, con un enfriamiento controlado, consiguiendo ejemplares mayores, pudiendo incluir diversos insectos. Se detectan por el aspecto de las burbujas, o por los insectos que son actuales.
Como identificar el ámbar
Ante la compra de cualquier artículo de ámbar sin certificado, hay que comprobar si no se trata de una falsificación.
Actualmente son conocidos unos cuantos tipos de falsificaciones que en muchos casos se venden como ámbar del Báltico: es el ópalo, vidrio, resinas fenólicas, celuloide, caseína, plástico moderno.
Para distinguir el ámbar verdadero de la falsificación, sugerimos la aplicación de algunas pruebas. No todas las pruebas sirven para comprobar un artículo. Por ejemplo, nunca sugeriríamos comprobar un collar de ámbar en agua salada o calentándolo; ya que está realizado no tan sólo con ámbar, por ahí pasa un cordel, está también montado un mecanismo de cierre, por lo tanto la aplicación de esta prueba podría estropearlos.
Empecemos por una prueba - más inocente - en base a rayos infrarrojos. Es el método científico más efectivo para identificar las resinas fosílicas: IR-espectroscopía.
El segmento de IR-espectro característico del ámbar, se llama - el hombro del ámbar báltico -. En otras palabras, al poner el ámbar debajo de una lámpara de infrarrojos, su superficie brilla con una luz de color amarillo, azulado o verdoso, mientras que una falsificación no produce ninguna luz.
Otro tipo de pruebas son pruebas de olor. Son más efectivas porque el ámbar natural tiene un olor específico que es difícil de obtener en falsificaciones. Calentando el verdadero ámbar báltico, se nota un aroma específico suave a resina de pino. Los aromas que difunden las falsificaciones, son las siguientes: el copalo - de resina - dulce -, los demás esparcen el olor de plástico quemado.
- Prueba de frotamiento. Frotando el ámbar entre las manos, hay que calentarlo hasta un punto que empiece a notarse el aroma de la resina de pino. Pero para que frotando se llegue hasta el grado requerido, se necesitan las manos fuertes. Si es el ámbar pulido o un artículo de ámbar, será más difícil de lograrlo.
- Prueba de agujas calientes. Hay que pinchar con una aguja caliente el ámbar en un sitio imperceptible (en un agujerito perforado de una cuenta, etc.). Si se nota el olor fuertemente expresado de la resina de pino, esto es el ámbar verdadero. Hay una deficiencia: se queda una pequeña huella de calentamiento y esto es irreparable.
- Prueba de fragilidad. Pinchando con una aguja, se notarán unas grietas. Pinchando el plástico, la aguja irá atravesando sin que aparezcan las grietas.
El ámbar puede ser comprobado en agua salada. El peso comparativo del ámbar (1.04-1.1) (igual que del copalo y poliestireno) es algo menos que del agua salada (1.15). Por lo tanto sólo estos materiales flotarán en agua salada y los demás se hundirán.
En una cantidad de 300 ml hay que echar 7-8 cucharitas llenas de sal y mezclar. Durante unos minutos ir disolviendo la sal y mezclando el agua. Después de efectuar la prueba, hay que pasar la muestra por el agua limpia. Las deficiencias son las siguientes: esta prueba no sirve para el poliestireno ni para el copalo; tampoco es buena para los adornos (el metal, el cordel y la cerradura hacen que el ámbar se hunda). Para asegurarse que la muestra aunque flote es ámbar, hay que hacer la prueba de la aguja caliente.
- El ámbar artificial se prepara triturando finamente un kilo de goma
copal y dos gramos de amarillo de cromo, humedeciéndolo con 50 gramos de aceite de almendras o de linaza. Se calienta la pasta en un recipiente de cobre durante una hora y sin dejarla enfriar se moldea a presión.
El ámbar natural no se altera ni se le toca con alcohol o éter, y es
mas duro que sus imitaciones, que se pueden rayar con la uña y aquel no.
En cualquier caso, el mejor método para evitar engaños en la adquisición tanto del ámbar como de sus artículos, consiste en adquirirlos en tiendas y empresas fiables que venden sus productos debidamente certificados.
COMO CUIDAR EL ÁMBAR
El ámbar y sus artículos son inflamables, sensibles al calor y a la influencia de los preparados químicos. Por eso hay que seguir unas normas elementales para cuidarlos debidamente. No es recomendable sumergir los artículos de ámbar en el agua, ni guardarlos cerca de focos de calor (cocina, plancha, bombilla eléctrica, etc.). Como cualquier producto bajo la influencia continua de los rayos directos del sol, el ámbar puede perder su color y por eso se recomienda guardarlos alejados de la luz solar. Con el transcurso del tiempo y debido al contacto directo con el cuerpo, el ámbar pierde su brillo, se empolva. Para recuperar el brillo natural, basta con frotar el ámbar con una tela de lana, gamuza o terciopelo.
Propiedades del ámbar
COLOR
El ámbar báltico, sobre todo, es muy variado en cuanto a los colores. Los científicos cuentan 250 distintos colores y matices. El más frecuente es el ámbar amarillento con varios matices sutiles - desde amarillo claro hasta marrón oscuro, puede ser de color naranja, marrón rojizo o casi blanco. No siempre el ámbar es unicolor: hay combinaciones excepcionales de dos y más colores y matices, dibujos que forman preciosas composiciones artísticas.
Los colores y matices del ámbar dependen de adiciones y de efectos ópticos de defracción de la luz. Lo que más influye sobre el color, son los elementos estructurales del ámbar: las burbujas de gases turpeninos. El tamaño y la densidad de su colocación no sólo influye sobre el color, sino también sobre otras propiedades físicas del ámbar.
Los elementos volátiles que se evaporaban de las resinas transparentes, formaron muchísimas microburbujas (el ámbar amarillo). Este proceso siendo muy intensivo, en la superficie de 1 mm² de resina podían formarse hasta 1 millón de burbujas (el ámbar blanco). El matiz azulado fue influenciado por las adiciones de pirita que se encontraron en las resinas al haberse caído estas últimas en el suelo. El ámbar negro se formó al haberse mezclado las resinas con la tierra y el verde, con las partes pequeñas de las plantas.
TAMAÑO
El ámbar es característico no sólo por la variedad de colores, sino también por el intervalo del tamaño. Puede variar desde las migas de 1-2 mm hasta los trozos de 1 m de largo con el peso que a veces llega a ser hasta de 10 kg. Por supuesto, estos tan grandes son escasos. El trozo más grande de ámbar - con 47 cm de largo y 9,817 kg de peso - se guarda en el Museo de Ciencias Naturales en Berlín.
PROPIEDADES ÓPTICAS
Bajo la influencia de los rayos catódicos y ultravioletas, el ámbar brilla con color amarillo, azulado o verdoso. El índice del ámbar en cuanto a la refracción de la luz n = 1.53-1.54. Como todos los minerales que refractan la luz muy débilmente, el ámbar transmite mejor el juego de luces sólo cuando está puliéndose en superficie convexa.
PROPIEDADES FÍSICAS
El ámbar no puede llamarse mineral porque su origen es orgánico, además él no tiene estructura cristalina (colocación interior irregular de los átomos).
La dureza del ámbar conforme a la escala de Moss es 2-2.5; a veces puede aumentar hasta 3. El peso comparativo del ámbar absolutamente transparente es 1.1. La masa volumétrica del ámbar en forma de espuma es igual a 0.93-0.96. La masa volumétrica del ámbar transparente es igual a 1.096.
En el aire el ámbar arde con una llama brillante y humeante desprendiendo un aroma agradable, parecido al olor de la resina de pinos.
El nivel de transparencia del ámbar puede variar desde limpiamente transparente hasta oscuro opaco. El ámbar transparente es claro, el color variando desde amarillo pálido hasta oscuro: amarillo rojizo. El ámbar opaco puede ser desde medio transparente hasta mate oscuro, de distintos colores.
El ámbar raya en color blanco. La temperatura de fusión es aproximadamente 375ºC. Hirviendo en aceites, empieza a ablandarse a los 140ºC. A la vez se vuelve más transparente y las burbujas gaseosas se llenan con aceite.
PROPIEDADES QUÍMICAS
La composición química del ámbar depende de la variedad de elementos estructurales y puede ser definida con distintas fórmulas químicas: C12H20O, C10H16O, etc.
La composición orgánica del ámbar no es monolítica. Igual que la resina fresca de los árboles, el ámbar está compuesto de carbón, oxígeno e hidrógeno. Normalmente contiene 79% de C, 10,5% de O y 10,5% de H. Según O. Helm, el ámbar contiene entre 3 y 8% de ácido ambarino.
El ámbar no se disuelve en ningún disolvente: en alcohol metílico se disuelve 20-25% de la materia del ámbar; en éter, 18-23%; en acetona, alrededor de 23%; en cloroformo, alrededor de 20%; en benceno, 21%, etc.
Fuente
Biblioteca de joyeria Ibarra
SILLONCITO DE SALA ESTILO LUIS XV
Con el nombre Luis xv o Rococó se conoce al mueble de la mitad del siglo XVIII (1715-1774) en toda europa, pero es en Francia donde alcanza su mas perfecto equilibrio y ponderación. . En los muebles las caracteristicas mas esenciales son lo fantasioso, lo elegante y lo caprichoso, lo agil y asimetrico, el uso de la línea en S. Otra de las caracteristicas es la influencia oriental, con sus porcelanas, lacas y decoracioón que invadieron los interiores y eran imprescindibles como sinonimo de buen gusto. La aparición de la pata curvada en el mueble hacia el 1700, la silueta en S estirada, llamada cabriole, es el elemento mas caracteristico del estilo quitandole rigidez al mueble. Un elemento que se usa mucho en esta época es la marquetería, se usa la madera de acebo, boj, ebano, palisandro, y maderas frutales como el cerezo, el peral y el ciruelo. Para el chapeado limoncillo, bois de violette, bois de rose, amaranto y la caoba. Tambien materiales empleados paro los muebles son el cuero, la esterilla, el marmol, el bronce, en tapiceria, el petit point, sedas, damascos, brocatos, terciopelos.Los elementos ornamentales que se usan son: flores, cestas, cartouches, monos, atrivutos musicales, rocaille, hoja de acanto, elementos pastorales, paisejes orientales, roleos vegetales, motivos geometricos. Para los asientos y armazones: pino, roble y haya. Las técnicas ornamentales son: el chapeado de maderas exóticas, marqueterie de motivos florales, monturas de bronce cincelado y dorado, laca oriental, vernis martin, dorado y pintura. Del barnis martin ya les contare mas adelante en que consiste.
Artistas del periodo: Juste Aurele Messonier -Nicolas Pineau
Ebanistas: j ean F.Oeben, Jacques Dubois,Roger Van der Cruce, Piere Rousell, Jean Francois Leleu
En esta ocasión les traigo un silloncito de sala, estilo Luis XV, SIGLO XIX, realizado en madera de haya, esterilla, apoyos cabriole, lineas curvas.
RENÉ LALIQUE
René Lalique (1860-1945) logro realizar una de las tareas mas creativas y difíciles de todas, la unión del arte y el comercio, con gran éxito. La fábrica de vidrio de Lalique fue sin lugar a dudas la más orientada a nivel industrial.
Lalique nació en Francia, de pequeño fue un dibujante natural, estudio orfebrería en Inglaterra, fue diseñador de joyería, la obra de Lalique como diseñador de joyas era Art Nouveau tanto en estilo como en espíritu. Fue durante su primer éxito como joyero que Lalique uso el cristal, con frecuencia cristal ordinario, tallado, en yuxtaposición con piedras mas caras, semipreciosas. Como resultado de este interés inicial fue que decidió abrir un pequeño taller de cristal en Clair fontaine, allí empleo a cuatro ayudantes para que supervisaran la fabricación de jarrones esculturales usando el método cire-perdue (cera perdida).
Este método consiste en: se talla un modelo de cera y luego se reviste de un molde de escayola; la cera se derrite entonces, se vacía y se sustituye por cristal fundido, que solo se colocaba antes de que el molde se abriera finalmente rompiéndolo para liberar el objeto terminado, usando esta técnica se podían lograr un elevado porcentaje de finos detalles y la ruptura de cada molde aseguraba que cada pieza fuera única. Algunos de los primeros experimentos de Lalique en cristal cire perdue se expusieron por primera vez en la exposición de Turín en 1902 y causo un considerable entusiasmo en esa época.
Lalique abrió su primera tienda en 1905, en Paris, cerca del local del famoso perfumista Francois Coty. Al año siguiente Coty se acerco a su vecino y encargo a Lalique que le rediseñara sus gráficos. Este encargo inicial se extendió rápidamente para incluir el diseño de un “envase de buen gusto aunque sencillo”, para el lanzamiento del nuevo perfume de Coty. Este pedido modesto abrió un amplísimo mercado nuevo para Lalique y lo llevo a otros encargos de perfumistas. Lalique también trabajo espejos, marcos de cuadros, pisapapeles, copas, platos , tinteros, ceniceros, estatuillas, cajas de reloj, mascotas de coche, paneles de pared, paneles iluminados decorados, lámparas, candelabros e incluso muebles. Esta amplia gama de productos fue posible solamente por su refinamiento continuo en el proceso de fabricación. Lalique empleaba varias técnicas, como la del estampado y el soplado del molde, pero también desarrollo el concepto de fundición centrifuga, donde se hace girar el molde a gran velocidad, forzando al cristal fundido a cualquier concavidad, no importa de cuanta profundidad. Produjo un montón de formas en un cristal sin color con una superficie escarchada, moldeada a menudo con figuras femeninas, pájaros, peces, y flores. También usaba diseños abstractos.
Lalique murió en 1945 a la edad de 85 años, habiendo creado un estilo nuevo y habiendo llegado a tener fama internacional. Su hijo se hizo cargo de la empresa entonces. Era inevitable que Lalique tuviera sus copistas, y las empresas de André Hunebelle, Etling, D´ Avisn, Sabino, todos produjeron al estilo de Lalique. Incluso se copiaba en Bohemia, en Inglaterra y en Estados unidos. La contribución única de Lalique al mundo del cristal fue levar el diseño más allá de lo orgánico, más allá de la ideología hommage á nature del Art Nouveau. En vez de ello inculco un enfoque más riguroso, más organizado, que compendiaba la máxima del Art deco de “artículos de lujo hechos con trabajo consumado”. El talento único de Lalique estriba en la explotación de muchas posibilidades de métodos de fabricación en serie mientras mantiene su credibilidad artística. Exploto la capacidad de moldear y fundir para producir enormes cantidades de esculturas y estatuillas de cristal que mas tarde se reconocieron y celebraron como el arquetipo de la elegancia Art Deco.
izquierda: El Jarrón "Arqueros" azul brillante de René Lalique, 1922, tiene una forma clásica, ovoide. Su parte superior bulbosa esta moldeada en global con pájaros grandes; su parte inferior, con hombres musculosos apuntando sus arcos. El jarrón se hizo en varios colores.
derecha: parte inferior, los motivos esmaltados en negro y las formas muy rectilieas de este juego de licor frances de los años 20 son Art Deco puro, su fabicante es Baccarat probablemente ( ya hablaremos de Cristal de Baccarat)
derecha parte superior:"Grand Boulle Lierre" 1921, de Lalique, en cristal esmerilado, con un diseño de hoja de hiedra escaso y sin embargo espectacular. Este fue uno de los jarrones mas grandes de Lalique, mide 33 cm
